Under The Skin

Jonathan Glazer ("Sexy Beast", 2000. "Birth", 2004), mejor conocido por su trabajo en comerciales y videos para Massive Attack y Radiohead, nos trae "Under the Skin", protagonizada por Scarlett Johansson.

La historia, inspirada en la novela de Michael Faber "Bajo la Piel" (2000), fue presentada en el Festival de Venecia del 2013. Para los conocedores de cine y amantes del séptimo arte no les será difícil aludir al trabajo de David Lynch ("Lost Highway", 1997) por su edición, o Kubrik ("Eyes Wide Shut", 1999) por su ritmo, y aún de Luis Buñuel con la fuerte imagen de un ojo siendo cortado por la mitad en "Un Chien Andaluz" (1929); la cinematografía corre a cargo de Daniel Landin.

En el film, "Scarlett personifica a una atractiva extraterrestre en busca de hombres musculosos a los cuales engorda y convierte en carne de primera para consumo en su planeta natal", la película justifica su falta de precisión narrativa al tener como fondo la historia original de la novela, ¿la leíste? bien, ¿no? lo siento. A cambio, Glazer nos ofrece un festín de imágenes surreales, excelente fotografía y una música original que complementa la atmósfera compuesta por Mica Levi.

La película no es fácil y se podría decir que no es para todos los gustos, probablemente no se consideraría comercial si no fuera por el hecho de que la protagonista acaba de estar en una película nominada al Oscar ("Her", Spike Jonze, 2013) y ésta sería una buena ocasión para re encontrarnos con el cuerpo de la voz que enamoró a Joaquin Phoenix.

Vision Quest

o, La Búsqueda de Trascender

Vienen tantas cosas a mi memoria que pudiera decir de los 80's y todo se resumiría en la alegría de una infancia sin complicaciones, con sueños e ilusiones, cine y música, mucha música.

El cine, gracias a la maravilla de la videocasetera, fue mi escuela, mi mayor influencia, mi padre, mi hermano mayor, mi consejero y, invariablemente, gringo.

The Breakfast Club, St Elmo's Fire, Pretty In Pink, Vison Quest fueron mi preambulo a la adolescencia, así que yo ya sabía lo que me esperaba, lo que no sabía era que no iba a ir a un "prom" ni a formar parte del equipo de futbol americano y que tampoco el primer beso iba a ser con la niña más bonita de la escuela, y tantas cosas que la vida se toma el trabajo de echarnos en cara.

Pero los recuerdos de esos sueños, de esas películas, de esas canciones quedan para siempre en la memoria y a veces, como hoy, se asoman para hacerte sentir bien y sobre todo para inspirarte.

Change, de John Waite, forma parte del soundtrack de Vision Quest y precisamente habla de estos sueños e ilusiones que tenemos, casi siempre relacionando el éxito con la fama y el dinero y cómo, cuando no alcanzamos esos sueños nos queremos dar por vencidos, pero que en vez de darnos por vencidos ha llegado el tiempo de cambiar.

Les recomiendo el soundtrack, pero sobre todo la película, el tema trasciende las modas y las épocas, pero quizá habría que volverse un poco adolescente para dejarse impactar por ella.

Emergency On Planet Earth

Antes de su colección de autos exóticos. Antes de su fusión con las secuencias. Antes de las fiestas con el jet set londinense. O por lo menos antes de que nos enteráramos de todas esas cosas. Jamiroquai era una banda de Acid Jazz con tintes de Funk.

Emergency On Planet Earth es el primer álbum grabado por Jay Kay, y fué con la canción When You Gonna Learn con la que inició una carrera exitosa, aunque no fué sencillo llegar hasta donde se encuentra ahora.

Una combinación de cuerdas, metales, instrumentos de aborígenes y una voz potente y muy educada hacen de su primer album uno de mis favoritos. Quizá porque no te hablan de un rockstar sino de una banda bien ensamblada haciendo lo que mejor saben hacer: música, sin responder a las exigencias del público ni a los intereses de una disquera o a la estética del momento.

Jay Kay tenía su propio estilo desde el principio, desde cómo hacer música hasta como vestirse.

Este es uno de esos álbumes que con un cafecito me inspiran a escribir o me ponen a pensar como loco al tiempo que mis pies bailan por si solos. El slap del bajo, el wah de la guitarra y esos metales! esos metales! me alegran la tarde cuando afuera el calor te atosiga con 34 de sus molestosos grados.

El final de Lost (spoiler alert)

El flashsideways

Lost fue una serie que se caracterizó por una narrativa diferente a las antes vistas en televisión, si bien era lineal, las líneas del tiempo se alternaban en presente-pasado (mediante flashbacks), presente-futuro (flashforwards) y ya hacia el final en lo que creímos podía ser una realidad alterna (fashsideways?).

Pues bien, eso que creimos una realidad alterna era también un flashforward.

Durante la temporada final vimos cómo se resolvian algunos misterios: el origen de Jacob, el origen del humo negro, el poder de la isla y finalmente la lucha por contener "el mal" y abandonar la isla. En esta lucha Jack muere, Hugo se queda como guardián de la Isla y Benjamin Linus como segundo al mando.

El flash alterno, que en realidad es un flashforward nos muestra la transición de la vida al "después de la vida", una especie de purgatorio donde los protagonistas, después de muertos, tienen la oportunidad de cerrar círculos, enmendarse, o si quieren, "hacer las cosas bien". Sin embargo, esta condición supone para otros autores algunas situaciones, por ejemplo:

Primero: quien está en transición no es conciente de que ha muerto.
ver: Stay (El Umbral) de David Benioff y Marc Foster, The Sixth Sense (El Sexto Sentido) de M. Night Shyamalan, y Paradise X de Jim Krueger publicado por Marvel.

Segundo: En este purgatorio los personajes no pueden seguir adelante, o "dejar ir" aquellos pecados de su vida anterior.
En Lost, unos se martirizan (John Locke, Benjamin Linus) mientras que otros alcanzan redención (Jin y Sun), otros continúan su búsqueda pero de diferente manera (Sawyer , Jack) y otros simplemente no cambian (Kate, Charlie),

Tercero: Este no es el lugar final y deben continuar. Caminar hacia la luz.
De ahí que los autores consideran que para los protagonistas, la manera de encontrar el camino es encontrarse todos, y recordar, porque para ellos ésa fue la etapa más significativa de su vida.

Jack Shephard

En su temporada final los autores de Lost redimen a Jack Shephard.

Mientras que a partir de la segunda temporada empezamos a ver a un Jack con fallas, arrogante y odioso, es en la última temporada cuando lo vemos volverse humilde, aceptar su rol en esta historia, sus fallas, tanto en el presente como en su purgatorio.

Es con Jack con quien finalmente nos llevan de la mano a entender que hay que seguir adelante, que debemos "dejar ir".

Bucles y círculos que se cierran.

Hay un sin fin de niveles en los mensajes que se presentan, cayendo en lo que Douglas Hofstadter denomina un "eterno y grácil bucle" (Gödel, Escher, Bach: An Eternal Golden Braid).

Por un lado los protagonistas están viviendo un purgatorio, lugar en el que buscan cerrar círculos de su vida terminada, pero este purgatorio representa al mismo tiempo nuevas decisiones, nuevos errores, cosas nuevas de las cuales se arrepienten, y es entonces el momento de darse cuenta que ésta es sólo una transición, que deben continuar, y al recordar su vida anterior mediante una lluvia de recuerdos de su estancia en la isla, encuentran en su pasado y en sus decisiones anteriores una redención a su vida en el purgatorio. El círculo se cierra y plantea una pregunta, ¿Cual es el verdadero purgatorio?

Para Jack el purgatorio podría ser ver crecer a su hijo en un matrimonio disuelto y aprender a ponerle atención y dedicarle más tiempo -una manera de encontrar sentido a la vida anterior en la que pierde la fe, se vuelve alcohólico, pierde su licencia, su matrimonio fracasa, etc.

O puede ser la Isla, donde sacrifica su vida para salvar la de otros, que justificaría en gran manera los errores de su presente alterno.

Símbolos y juegos de palabras.

Durante toda la serie los autores delatan sus influencias mediante el uso de nombres, símbolos y juegos de palabras.

Quien al final guía a todos hacia la luz es Christian Shephard (que fonéticamente significa "Pastor Cristiano" en inglés).

Jacob es el personaje de la tradición judía que ve ángeles subir y bajar del cielo mediante una escalera a quien Dios le promete una descendencia incontable (el pueblo judío).

Mientras que el tapón está puesto, el agua fluye, el agua es un símbolo de vida y del bien.

Cuando se quita el tapón el agua deja de fluir, la tierra tiembla y parece brotar un rojo incandescente del centro de la tierra, del bajo mundo.

El tapón tiene grabada una escritura antigua. La palabra tiene el poder de contener el mal y traer vida (el agua).

Epilogo

Hay que dejar ir. Es lo que nos dicen.

La serie terminó, continúen su camino hacia la luz.

(éste es otro bucle)

Cowboy Bebop

Cinismo, vicios, secretos, pasados misteriosos y hasta una inteligencia inusual en un perro son los elementos constantes en los personajes principales de esta serie animada de finales de los 90 dirigda por Shinichiro Watanabe.

La primera vez que vi esta serie quedé impresionado por su música. Yoko Kano dirige a los Seatbelts en una amplia gama de estilos, anque se nota una fuerte tendencia al acid jazz.

Para quienes nos gusta el jazz, las persecuciones, y un buen guión, pero sobre todo el Anime, Cowboy Bebop es la perfecta mezcla de todos estos elementos. No he visto desde entonces algo parecido a esta serie y me atrevo a considerarla no sólo unica y original sino "de culto".

Altamente recomendable.

Cronenberg

O: lo sutil de la locura

Lo grotesco del ser humano. Traspasar la delgada línea que nos separa de la cordura y lo políticamente correcto. Nuestras ansiedades ocultas.

David Cronenberg nos lleva de la mano por un paseo al lado escondido de la mente, aquel al que nos gusta asomarnos de vez en cuando pero del que no queremos ser parte.

En sus inicios como cineasta, Cronenberg enfatizaba mediante efectos visuales la crudeza de nuestro interior. La carne y sangre que somos se descompone junto con nuestra mente. A la locura le siguen brotes de sangre, tumores, nervios que se incendian. La transformación de la mente lleva a una transformación física.

En Spider se experimenta una transición en la cinematografía de Cronenberg: se abre paso a la fotografía, a un ritmo más despacio para narrar mediante la expresión actoral la transformación del personaje, o más bien para revelar al espectador el verdadero interior de la mente del protagonista.

Sin dejar a un lado lo visual, el director limita sus recursos a figuras iconográficas, cuadros estáticos de la muerte y la locura. Una Historia de Violencia se muestra más dinámica, pero mantiene el ritmo lento y creciente al descubrimiento del lado oscuro de la conducta.

Si Cronenberg se sentara a la mesa con Lynch sería para tener un almuerzo desnudo, sin palabras, mediante telepatía, en un diner de Hollywood apuntanto a Mulholand dr. por el lado oscuro del camino, entretejiendo una telaraña de psicosis y esquizofrenias.

Provecho.

Para saber más:

wikipedia.org, earth's biggest movie database, senses of cinema

Kinda' Funky

Originalmente le iba a quemar un CD a un primo que se fué por 6 años a un lugar leeejos lejos, pero no lo alcancé en el aeropuerto (ni siquiera me levanté), así que para dejar constancia pongo aqui la listita intitulada "Kinda Funky", y no es por que yo haya hecho la compilación, pero está muuy recomendable (sobre todo para abrir la noche de cervezas):

1. the groove / Rodney Franklin

2. do what you wanna / Ramsey Lewis

3. hallelujah, i'm comin' home / Candido

para empezar funketones, totalmente 70's

4. Rudy's / Deodato

5. ju ju / Capiolo & Mecco

6. bodacious Q / Poncho Sanchez

7. evil ways / Cal Tjader with Carmen McRae

8. also sprach Zarathustra / Deodato

un clásico que Deodato volvió clásico (hasta la banda del Guarapo la toca)

9. listen here/cold duck time / Poncho Sanchez

de lo que más me gusta del maestro Poncho

10. diggin' on James Brown / Tower Of Power

11. hot barbecue / Pucho & His Latin Soul Brothers

no debería revelarles a esta banda (es como mi arma secreta)

12. walk on the wild side / Jimmy Smith

sólamente el maestro de maestros, y con el maestro Lalo Shiffrin batuta en mano, puede tener la última palabra

duración: 60 min exactitos

Mi reino por una persecución en auto

Casi se pueden ver los créditos de entrada.
Persecución en auto, un cuadro se congela justo cuando el auto sale volando, y por ambos lados de la pantalla entran los títulos, usted eliga: Starsky y Hutch, Las Calles de San Francisco, The A-Team, etc. Y ahora ponga las caras de los protagonistas en gesto característico y congélelas mientras aparecen sus nombres.
Es lo que viene a mi mente mientras escucho "The Apple" de Marty Sheller cuando dirige a Mongo Santamaría y banda.
El piano y la batería trabajan juntos para dar el ritmo y el sonido de jazzecito setentero a esta pieza, los metales le dan el matiz funkero (trompeta y par de saxos que se lucen en sus secciones) mientras que el maestro Mongo nos deleita con el sonido de sus congas.
Quizá "La Manzana" esté inspirada en la ciudad de Nueva York, pero a mi me recuerda (por lo que veía en la tele de chamaco) más a San Francisco a principios de los 70s.

Lo bueno de la imaginación es que no está limitada a las impresiones de otros, recomiendo que la escuchen y dejen que sean los instrumentos y las notas, con sus silencios, los que influyan su imaginación.